The National Gallery i London: Kunstgalleri med Europas fineste malerier

I 1823 tilbød en samler ved navn Sir George Beaumont at give sin berømte samling af malerier til den britiske regering for at starte et offentligt kunstgalleri. I 1824 blev en anden berømt malerisamling sat til salg. Ejeren, John Julius Angerstein, var død. Det så ud til, at hans malerier ville blive solgt uden for England. Så kom der endnu et bud på malerier fra en tredje samler, pastor Holwell Carr. Parlamentet var nødt til at træffe en hurtig beslutning.

Parlamentet vedtog, at der skulle oprettes en national samling, og at der skulle bygges et galleri. De gav 60.000 pund sterling til at købe Angerstein-malerierne. De fik 38 billeder og kunne udstille dem offentligt i Angerstein-huset.

Samlingen voksede hurtigt med Beaumont- og Holwell Carr-malerierne og andre, der blev købt eller givet. Der var behov for et nyt galleri. I 1831 blev arkitekten William Wilkins' planer godkendt. Stedet med udsigt over Trafalgar Square blev valgt, de gamle bygninger blev revet ned, og det storslåede nye galleri blev indviet den 9. april 1838.

Da National Gallery åbnede, var der en stærk opfattelse af, at malerier fra højrenæssanceperioden fra slutningen af 1400-tallet til barokmalerier fra 1600-tallet var den fineste form for kunst. Ordet primitiv blev brugt til at beskrive italienske malerier fra 1300-tallet og begyndelsen af 1400-tallet. Heldigvis mente galleriets direktør, Sir Charles Eastlake, at det var vigtigt at samle nogle af disse primitive malerier samt de mere populære højrenæssancemalerier. Det er på den måde, at National Gallery kom til at eje så mange meget sjældne værker fra senmiddelalderen og den tidlige renæssanceperiode.

I 1870'erne var galleriet så heldigt at få to samlinger af malerier af berømte hollandske kunstnere. Bygningen måtte udvides for at kunne rumme dem. Galleriet fik også malerier af berømte britiske kunstnere; snart var der så mange, at de fleste af dem blev flyttet ud til et nyt galleri kaldet Tate.

I det 20. århundrede var det blevet sværere at købe meget vigtige malerier; der var andre gallerier i USA og Tyskland, som forsøgte at købe de samme malerier. Så National Gallery begyndte at købe værker af mere moderne malere og havde snart en samling af malerier fra det 19. og tidlige 20. århundrede. Dette er ikke en stor del af Nationalgalleriets samling, men den viser små værker af mange meget vigtige kunstnere, især impressionisterne.

Tidlig italiensk

• Duccio, Madonna med barn, ca.1300, Sienna
• Masaccio, Madonna med barn, ca.1426, Firenze
• Fra Angelico, Kristus i herlighed, ca.1435, Firenze

• Uccello, Sankt Georg og dragen, ca.1450, Firenze

Historien om dette maleri er en kristen legende om en drage, der har stjålet en prinsesse. Prinsessen fortryllede dragen og bandt den med sit bælte, men hun kunne ikke undslippe. Den ædle George kom hende til undsætning og dræbte dragen. Der er mange malerier af Sankt Georg i National Gallery, fordi han er Englands skytshelgen. Uccello har forsøgt at vise perspektivet i landskabet ved at arrangere lyse og mørke områder på jorden. Diagonale linjer er vigtige i dette billede. Den linje, der er lavet af dragens vinge og ben, går i samme retning som Georgs spyd, mens kroppen og halen går i den modsatte retning.

• Piero della Francesca, Kristi dåb, ca.1450, Umbrien
• Mantegna, Agony in te Garden, 1460, Mantova
• Pollaiuolo, Sankt Sebastians martyrium, 1475, Firenze

• Sandro Botticelli, Mars og Venus, 1480'erne, Firenze

Historien om dette maleri stammer fra den romerske mytologi. Krigsguden Mars har elsket med Venus, kærlighedsgudinden. Han er så træt, at han ikke ved, at små fauner leger med hans våben. Men en af dem er ved at blæse en stor granat højt i hans øre. Budskabet i dette maleri er, at kærligheden kan vinde over krigen. Designet er baseret på et stort W., hvilket gør maleriet symmetrisk. Botticelli lavede dette til soveværelset for Giuliano de'Medici, en rig adelsmand fra Firenze. Han malede Mars til at ligne Giuliano og Venus til at ligne hans kæreste, men Giuliano havde ikke meget tid til at nyde sine malerier, da han blev myrdet kun kort tid senere.

• Perugino, Madonna og barn med englene Mikael og Raphael, 1496, Perugia
• Giovanni Bellini, Portræt af Leonardo Loredano, Doge af Venedig, 1501, Venedig

Tidligt nordeuropæisk maleri

• Ukendt maler, The Wilton Diptych, ca. 1395, England eller Frankrig

Wilton Diptychiet er et af de mest værdifulde malerier i National Gallery, fordi de fleste små kunstværker fra middelalderen i England blev ødelagt. Dette maleri viser kong Richard II af England, der bliver præsenteret for Jomfru Maria af sine tre skytshelgener. Det er malet i tempera; farverne er blandet med æg. Ordet "diptych" betyder, at det er i to dele og kan lukkes som en bog. Baggrunden er dækket af tyndt slået bladguld. Den blå farve er lavet af malet halvædelsten, lapis lazuli. Det kan være blevet malet som en bryllupsgave til kongen, mens han var i Frankrig .

• Jan van Eyck, Brylluppet i Arnolfini, 1434, Belgien
• Hans Memling, Jomfru og barn med helgener og donorer, 1477, Brugge
• Rogier van der Weyden, Pieta, ca.1460, Bruxelles
• Hieronymous Bosch, Kristi hån, ca. 1480, Bois-le-Duc
• Albrecht Durer, Malerens far, 1497, Nürnberg

• Gerard David, Jomfru og barn med helgener og en donor, 1505, Brugge.

Dette maleri er en altertavle til en kirke. Det viser Jomfru Maria siddende som en dronning på en trone med Jesusbarnet. Han tilbedes af tre kvindelige helgener og af den mand, der har betalt kunstneren for at lave billedet til kirken. Han kaldes "donoren". Alt på billedet er malet med stor detaljerigdom, tøjet, fliserne, smykkerne, bygningerne og blomsterne. Mange af tingene på billedet er symboler. Den lille hund er symbolet på troskab. Liljerne er symbolet på Jomfru Marias renhed. Maleriet viser ikke en del af en historie eller et øjeblik i tiden. Billedet er malet for at hjælpe beskueren med at berolige sindet til bøn.

• Lucas Cranach, Amor, stukket af en bi, 1522, Weimer
• Hans Holbein, Ambassadørerne, 1533, født Augsburg, død London. Se nedenfor.
• Pieter Breughel den Ældre, Kongernes tilbedelse, 1564, Bruxelles

Italien i 1500-tallet

• Leonardo da Vinci, Jomfruen på klipperne, ca. 1506, Milano. Se nedenfor.
• Michelangelo, Kristi gravlæggelse, ca.1506, Rom. Se nedenfor.
• Rafael, Ansidei-madonnaen, ca. 1505,
• Giorgione, Kongernes tilbedelse, 1507, Venedig

• Tizian, Bacchus og Ariadne, 1523, Venedig

Dette billede stammer fra den græske mytologi. Prinsesse Ariadne er gået skibbrud på Naxos, Bacchus' ø. Bacchus ser Ariadne og bliver forelsket ved første blik. Titian viser ham springe ud af sin vogn, som trækkes af geparder, mens Ariadne vender sig om for at løbe væk. Men Ariadne har set Bacchus' øjne, og hun er også blevet forelsket. På himlen ses den stjernekrone, som Bacchus gav hende ved deres bryllup. Titian har malet en spiralbevægelse i mange af figurerne. Den kan ses i Ariadnes røde tørklæde. Selv om dette maleri handler om mytologi, er figurerne meget realistiske.

• Parmigiano, Madonna og barn med Johannes, 1527, Parma

• Lorenzo Lotto, Dame som Lucretia, 1530, Venedig

Portrættet viser en kvinde i en farvestrålende fløjlskjole, der holder en tegning af Lucretia, en adelig kvinde fra det gamle Rom, der begik selvmord ved at stikke sig selv ned efter at være blevet voldtaget. Maleriet kan være udført til en familie, der ønskede, at deres datter skulle gifte sig godt. Symbolikken i maleriet viser for det første, at den unge kvinde er rig og for det andet, at hun er seksuelt ren. Disse to ting var vigtige for at få et godt ægteskab. Lotto har brugt farvekontraster i den orange og grønne kjole for at skabe en rig effekt. Han har også gjort en usædvanlig brug af kontrast i tonen. Meget lyse områder som hendes ansigt, barm og hånd styrer midten af maleriet. Tre andre meget lyse områder er placeret i højre side, nemlig tegningen, hånden og sedlen. Dette arrangement er asymmetrisk

• Bronzino, Allegori, ca. 1550, Firenze. Se nedenfor.
• Tintoretto, Sankt Georg og dragen, 1560'erne, Venedig

Italien, Frankrig og Spanien i 1600-tallet

• Caravaggio, Nadveren ved Emmaus, ca. 1600, Rom

Dette maleri er baseret på en historie fra Bibelen. To af Jesu disciple gik på vejen til Emmaus og talte sørgeligt om Jesu død. En mand kom og gik med dem, men først kendte de ham ikke. Da de om aftenen spiste middag på en kro, vidste de pludselig, at det var Jesus, der var genopstået fra de døde og nu var i live. Caravaggio har vist dette øjeblik i tiden som et fotografi. Det, der får billedet til at virke så virkeligt, er lyset, bevægelsen og detaljerne. Caravaggio har malet lyset, der kommer fra den ene side, som om der var en stor lampe. Kroværtens hoved danner en skygge bag Jesus, der ligner en glorie. Billedet har fanget et enkelt sekund, hvor Jesus har løftet sin hånd, den ene mand begynder at rejse sig op, og den anden kaster armene ud. Kun kroværten står stille. Udsigten til Jesu hånd, mandens arme og den anden mands albue er forkortet. Detaljerne viser almindelige mennesker med almindeligt tøj, der er gammelt og slidt. Der er også et stilleben af kurven på bordkanten. Caravaggios belysning og realisme blev kopieret af mange andre malere, bl.a. Rembrandt og Velazquez.

• El Greco, Kristus fordriver handelsmændene fra templet, ca.1600, Toledo
• Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Rom

• Claude Le Lorrain, Dronningen af Sabas afrejse, 1648, Frankrig og Rom

Dette imaginære landskab er baseret på en historie fra Bibelen. I denne scene begiver dronningen af Saba sig ud på sin rejse fra Afrika til Palæstina for at møde kong Salomon. Men det, kunstneren egentlig ønskede at vise, var det tågede morgenlys fra solopgangen over havet. Han har også malet tre forskellige typer bygninger. Til venstre er en gammel ruin som dem, kunstneren så i Rom. I baggrunden ses en borg og et tårn fra middelalderen. Til venstre kommer dronningen ud af et storslået palads i renæssancens nye stil. Intet i dette maleri har noget med Afrika eller Palæstina at gøre. Det handler om Rom. Ved at vise dronningen af Saba siger Poussin, at byen Rom med al sin 2000-årige historie er som den smukkeste og mest intelligente dronning, der nogensinde har levet. Denne slags malerier kaldes en "allegori".

• Nicholas Poussin, Bacchanale, 1603, Frankrig og Rom

Dette maleri er en scene fra romersk mytologi. Kvinderne er nymfer, skovens ånder. Nogle af mændene er satyrer og har horn og hove fra geder. De bor på Naxos, Bacchus' ø, og de bruger meget tid på at drikke sig fulde, danse og elske. I denne vilde fest drikker selv babyerne vin. En nymfe er ved at smadre en vinkande i hovedet på en satyr, som forsøger at kysse hendes veninde. Poussin har brugt store områder med lyse farver. Ved første øjekast ligner maleriet et virvar af kroppe, men alt er meget omhyggeligt arrangeret for at give hele billedet en dansende effekt. En stor trekantet form indeholder alle figurerne. Uden for trekanten til højre står en statue af Pan. På venstre side er der et smukt landskab.

• Diego Velazquez, Rokeby Venus, 1649, Madrid.

Dette billede er taget fra romersk mytologi. Det viser Venus, kærligheds- og skønhedsgudinde, der kigger ind i et spejl, som hendes søn Amor holder hende i hånden. Velazquez brugte det meste af sin tid på at male portrætter for Spaniens kongefamilie og deres familie. Han er en af de mest berømte portrætmalere gennem tiderne. Men dette maleri blev sandsynligvis lavet til ham selv, og da han lavede det, bragte han sig selv i fare for alvorlig straf. I Spanien havde kirken kontrol, selv om kongen regerede, men kirken havde kontrollen. De holdt øje med alt, hvad alle gjorde, og fik et meget stort antal mennesker henrettet. Det var ulovligt i Spanien at male nøgenbilleder som dette. Velazquez har været meget omhyggelig med kun at vise hendes ryg. Billedet af ansigtet er ikke særlig tydeligt. Gamle spejle var ikke så klare som moderne spejle. Måske ønskede Velazquez at skjule kvindens ansigt for at beskytte hende. Arrangementet og farvelægningen i dette maleri er meget enkel. Kroppens yndefulde linjer gentages i de grå og hvide sengetæpper. Det røde gardin er i samme vinkel som hendes hoved og har en varm farve ligesom hendes lyserøde kød.

• Murillo, De to treenigheder, 1681, Sevilla

Holland og Flandern i 1600-tallet

• Gerrit von Honthorst, Kristus foran ypperstepræsten, 1617, Utrecht

• Rembrandt, Belsazzar's Fest, 1630'erne, Leyden

Rembrandt er bedst kendt som portrætmaler, især for de mange selvportrætter, der beskriver hans liv fra han var teenager til han blev gammel. Han malede også mange scener fra Bibelen som denne. Prins Belsazars far havde taget det jødiske folk med til Babylon som slaver. Belsazar holdt en fest, og han sendte tjenere ud for at hente de guldkopper, der var blevet stjålet fra templet i Jerusalem. Pludselig dukkede en fremmed hånd op og skrev en besked på væggen. Ingen vidste, hvad det betød, så Balsazzar spurgte Daniel, som var en jødisk profet. Daniel sagde: "Du er blevet vejet og målt af Gud. Du opfylder ikke Guds regler. Dine dage er talte!" Dette maleri viser, hvor meget de hollandske malere lærte af Caravaggio. Dette maleri kan sammenlignes med nadveren i Emmaus. Det er endnu en scene fuld af dramatik. Rembrandt har placeret to af figurerne i usædvanlige vinkler. Belsazars krop er vendt mod beskueren, men hans hoved er skruet rundt for at se, hvad der sker bag ham. Da han springer op af sin stol, vælter han det gyldne bæger, som en af hans koner holder i hånden. Hun er også i en mærkelig vinkel, fordi beskueren ser ned på hendes hoved og skuldre. Rembrandt har skabt en kontrast mellem den rige tekstur i hans klæder og hans slappe ansigt og tykke mave.

• Anthony van Dyck, Charles I af England til hest, 1631, London. Se nedenfor.

• Peter Paul Rubens, Dommedag i Paris, 1632, Antwerpen

Rubens var en så populær maler, at han blev rig og berømt. Han malede portrætter og mange scener fra Bibelen og mytologien. Historien i dette maleri er fra den græske og romerske mytologi. Paris var en prins, som blev opdraget af en hyrde. Han fik et gyldent æble og blev bedt om at dømme en skønhedskonkurrence mellem tre gudinder: Juno, familiens gudinde, Minerva, krigsgudinden og Venus, kærlighedsgudinden. Hver af dem tilbød en belønning: rigdom, succes i kamp og den smukkeste kvinde i verden som hans kone. Paris valgte den sidste og gav æblet til Venus. Dette gjorde to meget magtfulde mennesker vrede. Og hvad han ikke vidste, var, at verdens smukkeste kvinde, Helena afTroja, allerede var gift. Rubens har malet et billede til at dekorere væggen i en rig mæcenes hjem. Maleriet har mange detaljer, som er med til at fortælle historien. Det drejer sig bl.a. om den lille Amor, en fårehund, Junos påfugl, Minervas skræmmende skjold og får, der græsser i det smukke landskab. Men de vigtigste ting på maleriet er de tre smukke nøgne personer. Det var det, der gjorde Rubens billeder så populære.

• Franz Hals, Familiegruppe, 1640'erne, Antwerpen
• Pieter der Hoogh, gårdsplads i Delft, 1658, Delft. Se nedenfor.
• Johannes Vermeer, Ung kvinde ved jomfruerne, ca.1670, Delft. Se nedenfor.

• Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis

Landskabsmaleri blev meget populært i Holland i 1600-tallet. På dette billede er perspektivet meget vigtigt. I et meget fladt land kan det være svært at vurdere, hvor langt væk tingene er. Hobbema har brugt denne lige vej med to rækker høje træer til at give en fornemmelse af, hvor langt væk byen er. Ved første øjekast virker dette maleri ret symmetrisk. Men Hobbema har tilføjet mange forskelle for at gøre maleriet mere interessant, idet han har afbalanceret et bondehus på den ene side med en kirke på den anden side og gjort de to rækker træer helt forskellige.

1700-tallet

• Watteau, De elskende, ca.1720, Frankrig
• Giambattista Pittoni, Polyxena's offer, 1740, Venedig
• Canaletto, Markuskirkens bassin på Kristi Himmelfartsdag, ca. 1740, Venedig
• Chardin, Den lille lærer, ca.1740, Paris. Se nedenfor.
• William Hogarth, Marriage a la Mode (en historie i seks billeder), 1743, London

• George Stubbs, En familie i deres phaeton, ca.1750, England

I 1700-tallet var landskabsmalerier populære i England, men de var mere end blot billeder af det smukke landskab, der blev malet som dekoration til et værelse. De fleste landskabsmalerier var også optegnelser om en familie og den jord, som de ejede. De var et tegn på familiens rigdom og status. På dette maleri viser godsejerne deres private park med dens mange forskellige træer frem. De fremviser også deres pragtfulde par heste og deres elegante vogn, en såkaldt "phaeton". Sammen er denne kusk og hestene det 18. århundredes ækvivalent til en meget dyr bil. Stubbs var mest berømt for at male heste. Han var en mester i at komponere smukke billeder. Her har han skabt en balance mellem damens store fashionable hat mod det mørke træ og de sorte heste mod den lyse himmel.

• Tiepolo, Allegori om kærlighed og tid, 1754, Italien
• Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, London
• Thomas Gainsborough, The Morning Walk, 1786, London
• Goya, Hertugen af Wellington, 1812, Spanien og Frankrig

1800 og fremefter

• Turner, The Temeraire, 1838, London

Dette er et trist maleri. Det fulde navn er The Fighting Temeraire, der er slæbt til sin sidste kajplads for at blive ophugget som skrot. Dette er den sidste rejse for et af de store krigsskibe, der kæmpede for England mod den franske flåde i slaget ved Trafalgar. Hendes høje elegante form står i kontrast til den beskidte sorte slæbebåd med rygende skorsten, der slæber hende væk. Turner, som var ekspert i at male havet, himlen og vejret, har placeret månen på himlen nær sejlskibet. Månen er i sin sidste fase. På den anden side af billedet står solen op med en rød glød som ild på vandet. Den aftagende måne er symbolet på, at de store sejlskibes tidsalder er forbi. Den flammende sol på vandet er symbolet på dampmaskinens nye tidsalder.

• Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
• Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris
• Courbet, Kvinder på Seine-bredden, 1857, Frankrig

• Henri Fantin-Latour, Æbler på et fad, 1861, Frankrig

Dette billede er et stilleben. I renæssancen var udskæringer af stilleben ofte en del af træudsmykningen i vigtige rum i et palads. I 1600- og 1700-tallet blev malerier af stilleben også almindelige og blev oftest set i spisestuen, hvor frugt, blomster og dyr, der var blevet dræbt til kød, var moderne udsmykning. I 1800-tallet malede mange kunstnere som Fantin-Latour små stilleben som dette for at øve sig i at arrangere et billede, studere lyset og studere tekstur. Mange kunstnere malede også stilleben, fordi de var for fattige til at betale for en kunstnermodel, eller fordi vejret var for dårligt til at male landskaber. Fantin-Latour lavede et stort antal små billeder som dette. Han har arrangeret fire æbler af forskellige farver og former og har lavet en undersøgelse af, hvordan lyset ser ud på deres buede overflader.

• Manet, Servitricen, 1879, Paris
• Claude Monet, The Houses of Parliament, London, fransk maler. Se nedenfor.
• Renoir, Paraplyerne, ca.1880, Frankrig

• Seurat, De badende ved Asnieres, 1884, Frankrig

Seurat var ven af de franske impressionistiske malere. Han havde en teori om, at alle farver bestod af mange forskellige farver, som blev sorteret, når lyset passerede ind i øjet. Han eksperimenterede med farver ved at male med små prikker. Hans malestil kaldes pointillisme. Dette store maleri tog lang tid at lave. Selv om det er en udendørs scene med masser af figurer, er det meget stille, som om tiden er gået i stå. Når man ser nærmere på maleriet, kan man se, at selv de dele, der ser hvide eller sorte ud, består af hundredvis af små farveprikker.

• EdgarDegas, Kæmning af hår, ca.1885, Paris
• Cezanne, Bjerge i Provence, 1890, Provence

• Vincent van Gogh, Landskab med cypresfyr, ca. 1890, Frankrig

Vincent van Gogh havde et svært og uroligt liv. Han blev født i Holland, men begyndte at male i Frankrig. Han havde meget få venner og havde svært ved at sælge sine malerier. Heldigvis fik han støtte fra sin bror Theo og en læge, som han malede billeder for. Dette landskab er et godt eksempel på hans stil. I maleriet synes alt at have sit eget liv. Skyerne er som store dyr, der ruller hen over himlen, det bølgende korn rækker ud som hænder, bjergene rumler, og cypressetræet ser ganske farligt ud. Vincent brugte hvert eneste penselstrøg til at være med til at skabe denne flammelignende bevægelse. En anden vigtig ting i dette maleri er kontrast. Farverne skifter fra varm rødlig-orange til isblå. Det store mørke træ til højre står i tonal kontrast til de hvide skyer. Træets lodrette retning står i kontrast til landskabets vandrette retning. I 1890 tog Vincent sit eget liv efter at have malet hundredvis af billeder på kun fem år.

• Henri Toulouse-Lautrec, Kvinde i haven, 1891, Frankrig
• Douanier Rousseau, Tiger skræmt af en storm, 1891, Paris
• Gustav Klimt, Portræt af Hermine Gallia, 1904, Wien

• Uffizierne
• Louvre
• Hermitage