Hellenistisk kunst (400–100 f.Kr.): definition, berømte værker og betydning

En af de ting, der gjorde den hellenistiske tid anderledes end andre tider, var opdelingen af Alexander den Stores land i mindre dele. I hver del var der en familie af ledere. Ptolemæerne havde Egypten; seleukiderne havde Mesopotamien, Attaliderne havde Pergamon, og andre ledere havde andre dele. Hver lederfamilie gav penge til kunst på en måde, der var forskellig fra den måde, bystaterne gjorde det på. De lavede store byer og komplekse grupper af bygninger på en måde, som de fleste bystater allerede var holdt op med at gøre 500 f.Kr. Denne måde at lave bygninger på var ny for Grækenland. Denne måde var ikke at forsøge at ændre eller fastgøre et naturligt sted, men at få bygningerne til at passe til det naturlige sted. Der var mange steder til fornøjelse, f.eks. mange teatre og steder at gå. De hellenistiske lande var heldige, fordi de havde meget tomt område, hvor de kunne bygge store nye byer. Nogle af deres nye byer var Antiochia, Pergamon og Seleucia ved Tigris.

Pergamon er et meget godt eksempel på hellenistisk arkitektur. Det startede med en simpel fæstning på Akropolis (en meget stor klippe). Forskellige Attalid-konger tilføjede til den og lavede en enorm gruppe af bygninger. Bygningerne strækker sig ud fra Akropolis i mange retninger, idet de udnytter den naturlige måde, som denne del af jorden er bygget på. Agoraen, der ligger i syd på det laveste niveau, har gallerier langs siderne med stoai (smukke høje stenting til at holde taget oppe). Agoraen er begyndelsen på en gade, der går gennem hele Akropolis. Mod øst og øverst på klippen ligger bygningerne for arrangørerne, lederne og soldaterne. På vestsiden, på et mellemniveau, er religiøse bygninger. En af de største er den med Pergamonalteret, som kaldes "gudernes og jætternes" og er et af de smukkeste stykker græsk skulptur. Et meget stort teater har bænke, der er strækket ud over siderne af bakken, så folk kan sidde på dem, og det kan rumme næsten 10.000 mennesker.

Dengang kunne de godt lide at lave meget store ting. Det andet Apollontempel i Didyma var sådan et tempel. Det lå tyve kilometer fra Miletus i Ionien. Daphnis af Miletus lavede tegningen til det i slutningen af det fjerde århundrede f.Kr. (omkring 300 f.Kr.), men det blev aldrig færdiggjort. Man fortsatte med at bygge den indtil det 2. århundrede e.Kr. (efter 100 e.Kr.). Helligdommen (den særlige del af templet) er en af de største, der nogensinde er blevet bygget i nærheden af Middelhavet. Inde i et meget stort rum har cellaen to rækker af søjler (høje runde tingester) rundt om den. Søjlerne er af den joniske slags, næsten 20 meter høje, med meget kompleks stenkunst på baser og toppe.

Den hellenistiske skulptur omfatter portrætter, der viser ting som lidelse, søvn eller alderdom.

Attalus I (269-197 f.Kr.) lod skulpturere to serier af votivgrupper til minde om sin sejr ved Caicus over gallerne - kaldet galaterne af grækerne - for at fejre hans sejr ved Caicus: Den første, der blev indviet på Akropolis i Pergamon, omfatter den berømte galliske mand, der dræber sig selv og sin kone, og hvis original er gået tabt (den bedste kopi findes på museet Massimo alle Terme i Rom, se illustrationen); den anden gruppe, der blev ofret til Athen, består af små bronzeskulpturer af grækere, amazoner, guder og giganter, persere og gallere. Artemis Rospigliosi i Louvre er sandsynligvis en kopi af en af dem; hvad angår kopier af den døende galler, var de meget talrige i den romerske periode. Udtrykket af følelser, detaljernes styrke - her buskhår og overskæg - og bevægelsernes voldsomhed er karakteristiske for den pergamenske stil.

Disse karakteristika er fremhævet i friserne på det store alter i Pergamon, som på ordre af Eumenes II (197-159 f.Kr.) blev dekoreret med en 110 meter lang gigantopera, der illustrerer et digt, der er skrevet specielt til hoffet. Her triumferer de olympiske mænd, hver på sin side, over jætter, hvoraf de fleste er forvandlet til vilde dyr: slanger, rovfugle, løver eller tyre. Deres moder Gaia, der kommer dem til hjælp, kan intet gøre og må se dem vride sig i smerte under gudernes slag.

Et andet fænomen dukker op i den hellenistiske skulptur: privatiseringen, som indebærer en genindførelse af ældre offentlige mønstre i den dekorative skulptur. Denne type retrospektiv stil findes også i keramikken. Hvad angår portrætterne, er de præget af naturalisme under indflydelse af romersk kunst.

Kun få græske vægmalerier har overlevet århundrederne. Vi kan dog studere de hellenistiske påvirkninger i romerske freskomalerier, f.eks. i Pompeji og Herculaneum. Visse mosaikker giver et ret godt indtryk af periodens "store malerier": det er kopier af fresker. Et eksempel er Alexander-mosaikken, der viser den unge erobreres konfrontation med stormkongen Darius III i slaget ved Issus, en mosaik, som pryder væggene i Faunens hus i Pompeji. Man mener, at det er en kopi af et værk, som Plinius den Ældre beskriver (XXXV, 110), og som var blevet malet af Philoxenus af Eretria for kong Kassander af Makedonien i slutningen af det 4. århundrede f.Kr. Mosaikken giver os mulighed for at beundre valget af farver, sammensætningen af ensemblet med drejende bevægelse og ansigtsudtryk.

Arkæologiske fund på kirkegården i Pagasae (tæt på det nuværende Volos), ved kanten af den pagasetiske bugt, eller i Vergina (1987) i det tidligere kongerige Makedonien, har bragt nogle originale værker frem i lyset. F.eks. har graven, som siges at være Filip II's grav, givet en stor frise, der forestiller en kongelig løvejagt, og som er bemærkelsesværdig på grund af sin komposition, figurernes placering i rummet og den realistiske fremstilling af naturen.

Den hellenistiske periode er også den tid, hvor mosaikken udvikles, især med værker af Sososos fra Pergamon, der var aktiv i det 2. århundrede f.Kr. og er den eneste mosaikkunstner, som Plinius nævner (XXXVI, 184). Hans forkærlighed for trompe l'oeil (optiske illusioner) og mediets virkninger ses i flere værker, der tilskrives ham, f.eks. "Det uopførte gulv" i Vatikanmuseet, der forestiller resterne af et måltid (fiskeben, knogler, tomme skaller osv.), og "Duebækkenet" i Capitolinermuseet, der er kendt fra en reproduktion, som er fundet i Hadrians villa. Her ser man fire duer, der sidder på kanten af et bassin fyldt med vand. En af dem er i gang med at vande sig selv, mens de andre ser ud til at hvile sig, hvilket skaber refleksions- og skyggevirkninger, som kunstneren har studeret perfekt.

Den hellenistiske periode er den periode, hvor maleri på vaser er i tilbagegang. De mest almindelige vaser er sorte og ensartede, med et skinnende udseende, der minder om lak, og er dekoreret med enkle blomster- eller guirlandermotiver. Det er også i denne periode, at man ser vaser i relief, uden tvivl som en efterligning af vaser af ædelmetal: der blev anbragt reliefkranser på vasen, eller den her viste vase blev forsynet med årer eller gadroner. Man finder også mere komplekse relieffer, der er baseret på dyr eller legendariske væsener. Vaskernes former er også inspireret af traditionen med metal: således med lagynos (afbilledet her), en vinkrukke, der er typisk for perioden.

Sideløbende hermed var der en tradition for polychromatisk figurativt maleri: kunstnerne søgte en større variation af farver end tidligere. Disse nyere farver er imidlertid mere sarte og tåler ikke varme. Maleriet fandt derfor sted efter brændingen, i modsætning til den traditionelle praksis. Pigmenternes skrøbelighed forhindrede en hyppig brug af disse vaser, og de var derfor forbeholdt begravelser. De mest repræsentative eksemplarer af denne stil stammer fra Centuripe på Sicilien, hvor et værksted var aktivt indtil det 3. århundrede f.Kr. Disse vaser er kendetegnet ved en bund, der er malet lyserød. Figurerne, som ofte er kvinder, er fremstillet i farvet tøj: blåviolet chiton, gul himation, hvidt slør. Stilen minder om Pompei og ligger meget mere på siden af de store samtidige malerier end på arven fra keramikken med røde figurer.

Metallic kunst

Fremskridt inden for bronzestøbning gjorde det muligt for grækerne at skabe store værker, såsom kolossen på Rhodos, der er 32 meter høj. Mange af de store bronzestatuer gik tabt - de fleste blev smeltet for at genvinde materialet. På grund af dette findes kun de mindre genstande stadig. Heldigvis var der i det hellenistiske Grækenland rigeligt med råmaterialer efter østlige erobringer.

Arbejdet med metalvaser fik en ny fylde: kunstnerne konkurrerede indbyrdes med stor virtuositet. I Panagyurishte (nu i Bulgarien) er der fundet dygtigt skulpturelle guldvaser: på en amfora er der to kentaurer, som danner håndtagene. I Derveni, ikke langt fra Salonica, er der i en grav fundet en stor krater med bronzestumper fra ca. 320 f.Kr. med en vægt på 40 kg (Derveni krater). Den er dekoreret med en 32 centimeter høj frise med figurer i relief, der forestiller Dionysos omgivet af Ariadne og hendes procession af satyrer og maenader. Halsen er dekoreret med ornamentale motiver, mens fire satyrer i højt relief sidder afslappet på vassens skuldre. Udviklingen er den samme for smykkekunsten. Den tids guldsmede var dygtige til at håndtere detaljer og filigraner: således er gravkransene meget realistiske træblade eller hvedestængler. I denne periode blomstrede indfatningen af ædelstene.

Figurerne var lige så moderne. De forestillede både guddomme og emner fra samtidens liv. Således opstod temaet "neger", især i det ptolemæiske Egypten: disse statuetter af sorte unge mennesker havde succes helt frem til den romerske periode. Nogle gange blev de reduceret til at være et ekko af en form fra de store skulpturer: således finder man talrige kopier i miniature af Tyche (held og lykke) fra Antiokia, hvis original stammer fra begyndelsen af det 3. århundrede f.Kr.

Terra cotta-figurer

I det hellenistiske Grækenland var den græske terrakottafigur tidligere forbeholdt religiøs brug, men blev i højere grad brugt til begravelsesformål og endda til dekorative formål. Forfiningen af støbningsteknikkerne gjorde det muligt at skabe ægte miniaturefigurer med en høj detaljeringsgrad.

I Tanagra, i Bøotien, er figurerne, der er fulde af livlige farver, oftest elegante kvinder i charmerende scener. I Smyrna i Lilleasien var der to store stilarter side om side: først og fremmest kopier af mesterværker af stor skulptur, såsom Farnese Herkules i forgyldt terra cotta. I en helt anden genre er der "groteskerne", som står i voldsom kontrast til den "græske skønhed": koroplathos (figurmager) fremstiller deforme kroppe i snoede stillinger - pukkelryggede, epileptikere, hydrocephale, overvægtige kvinder osv. Man kan derfor spørge sig selv, om der var tale om medicinske modeller, eftersom Smyrna var kendt for sin medicinske skole. Eller også er der tale om karikaturer, der er beregnet til at fremkalde latter. "Grotesker" er lige så almindelige i Tarsus som i Alexandria.

Glaskunst og glyptik

Det var i den hellenistiske periode, at grækerne, som indtil da kun kendte til formet glas, opdagede teknikken med glasblæsning og dermed nye former. Glaskunsten udviklede sig især i Italien. Man fortsatte med at støbe glas, især i forbindelse med fremstillingen af dybtrykssmykker.

Kunsten at indgravere ædelstene udviklede sig næsten ikke, men begrænsede sig til masseproducerede genstande, der manglede originalitet. Som kompensation for dette kom cameoen til syne. Det drejer sig om at skære i relief på en sten, der består af flere farvede lag, hvilket gør det muligt at præsentere genstanden i relief ved hjælp af farveeffekter. Herefter monteres det på et vedhæng eller som en ring. Den hellenistiske periode frembragte nogle mesterværker som Gonzaga cameo Archived 2009-04-02 at the Wayback Machine, nu opbevaret på Eremitagemuseet.

• Bevinget sejr af Samothrake